Pelas Pinturas de Leda Catunda - Introdução

Conhecer e se aprofundar na produção artística de artistas contemporâneos deve fazer parte dos objetivos gerais na área de Artes Visuais. Acredita-se que, desta forma, a criança tenha a possibilidade de ampliar seu repertório visual, vivenciar diferentes tipos de experiências, utilizar e investigar diversos tipos de materiais, além de aproximar a criança à poética de cada artista.

Artista contemporânea paulista pertencente a Geração 80, Leda Catunda (1961) tem a pintura como meio expressivo. A artista trabalha sobre suportes não convencionais como tecidos estampados, tule, veludos, lona, couro, fórmica, colchão, meias entre outros.

Paisagem com lago, 1984 acrílica sobre colchão

Onça pintada I, 1984 acrílica sobre cobertor

Xica, a gata/Jonas, o gato, 1984 acrílica sobre pelo artificial e luz

Jardim das vacas, 1988 acrílica sobre couro e tela

Em suas obras,  Leda Catunda se relaciona com diferentes materiais e suportes e, com as imagens e estampas já existentes neles. Com as imagens preexistentes, a artista pinta de forma a evidenciá-las ou encobri-las. Ao criar uma nova relação com essas imagens "prontas" (como define a artista), Leda Catunda muda a forma de olharmos para elas, denunciando imagens estereotipadas presentes em nosso cotidiano.

Vedação verde, 1983 acrílica sobre flanela

detalhe Vedação verde

Camisetas, 1989 acrílica sobre camisetas

Além desta pesquisa de suportes diferenciados, Leda Catunda também trabalha com relevos. Com motivos simples como luas, insetos, gotas, partes do corpo como a barriga, ela cria obras que oscilam entre a pintura e o objeto. Nestas obras, a artista desenvolve o conceito de "pintura mole", referindo-se a maciez existentes nestes relevos.

Capa, 1996 acrílica sobre tela e tecido

Besouro, 1994  acrílica sobre tela e couro

Bicho, 2000 acrílica sobre tela e espuma

Partindo destes aspectos, percebeu-se na poética de Leda Catunda um terrenos fértil e próximo à linguagem das crianças para se trabalhar conteúdos pertencentes às artes visuais. Foram realizadas diversas atividades com as crianças de 5/6 anos que serão, aos poucos, colocadas no blog.

Dentre os materiais selecionados para a realização dos trabalhos houve diversos tipos de tecidos como jeans, veludo, malha, tricolines estampados, voil, rendas, tules etc, espuma, imagens "prontas" de revista e jornais, tinta acrílica e papel camurça. Instigados pela poética da artista, este materiais foram pensados por oferecer uma experiência diferente e caminhos para que a criança possa entrar em contato com a produção artística contemporânea.

"(...) A originalidade de Leda está em seus materiais, em sua postura e em seu fazer. Ela pinta sobre suportes absolutamente não convencionais, muitas vezes aproveitando imagens neles preexistentes. (...) em vez de telas, há uma barraca de praia, o couro de poltronas desmontadas, toalhas de banho, edredons, rendões, cabeleiras postiças e até babadinhos de capa de liquidificador, transformados em telhados de casinhas, onde luzes se acendem. Um dos trabalhos mais provocativos é o das cabeleiras. Uma composição em negro, dramática, algo mórbido. Resulta de uma viagem da artista ao Japãp e reproduz - com absoluta liberdade - o clima claustrofóbico das multidões do metrô de Tóquio. A figuração de Leda, que confessa não saber desenhar uma pessoa, é assumidamente meio canhestra, a não ser quando ela aproveita para colorir desenhos já estampados. Deve-se ler essa pintura com olhos de 1987, entendendo a arte como uma ideia vigorosa e pessoal, cuja força conta mais que a execução e a 'cozinha' da técnica. (...)" 

Olívio Tavares Araújo

Paisagem da estrada, 1987 acrílica sobre tela, plástico e tecido

Ao final de todo o processo, tivemos a felicidade de receber uma visita da Leda Catunda à nossa escola. As crianças puderam fazer perguntas, entender sobre o seu processo artístico e, principalmente, conhecer a artista que, segundo elas, 'está viva'!

Leda se mostrou uma pessoa divertida, alegre e espontânea. Conversou com as crianças de maneira leve e solta, o que atraiu bastante atenção dos pequenos.

E, nesta visita, a artista deixou claro que o melhor da pintura é a sua liberdade.

                                                                                                                           

Para saber mais sobre a Geração 80, acesse o link sobre a artista Adriana Varejão

Ioiô no Varal

Construir brinquedos em aulas de artes é sempre uma boa opção. Além das crianças aprenderem a confeccionar algo lúdico, elas saem da aula brincando, o que é uma delícia.

Porém, gosto desta atividade pelo desafio que ela propõe.

Fizemos um ioiô. Uma bola de jornal amassado, envolta em fita crepe para manter sua forma e presa a um elástico. É simples e os pequenos adoram.

O verdadeiro desafio estava em pintá-los pendurados em um varal.

As crianças se animaram em pintar seus ioiôs de forma tão diferente. No entanto, suspensos no ar, qualquer toque do pincel os fazia balançar. Algumas crianças entenderam isso rapidamente e se empenharam em pintá-los de forma delicada. Para essas, o silêncio e a concentração imperaram durante a atividade.

Já outras crianças não conseguiram lidar com tal dificuldade. Iniciaram reclamando e passaram a segurar seus ioiôs, conferindo-lhes assim maior firmeza no pintar.

Independente da reação de cada um, o que vale nesta atividade é a experiência de uma nova forma de pintar, retirando as crianças da estabilidade de seus materiais e despertando-as à novas possibilidades de se fazer arte.

A escultura de Alberto Giacometti

Relato da aula proferida pela curadora e professora Regina Teixeira no curso de História da Arte, realizado nas Oficinas de Criatividade do Sesc Pompéia em 2012.

Alberto Giacometti (1901-1966)

Giacometti inicia sua pesquisa em artes retratando e esculpindo bustos de seu irmão Diego. Mais que um irmão, Diego era um parceiro de trabalho, ajudando-o e, em muitas vezes, orientando-o em suas pesquisas e decisões.

Cabeça de Diego, 1923

Como muitos artistas modernos, Giacometti se interessa pelas máscaras africanas e é influenciado pelo cubismo, fazendo surgir em seus trabalhos formas geométricas.

O Casal, 1927

Em 1927 faz sua primeira obra achatada, uma cabeça. Esse achatamento provém de sua busca pela representação da verdade. O artista quer retratar uma pessoa da forma como ele a vê. Para ele, quando se olha para um rosto, não se vê o volume total da cabeça.

Cabeça de Mulher, 1927

Por estes achatamentos e por suas próximas obras como "Mulher Colher" e "Cabeça que Olha", os surrealistas passam a se identificar com sua poética.

Mulher Colher, 1929

Após certo tempo no entanto, André Breton, principal fundador da vanguarda surrealista, se desentende com Giacometti. Breton achava inadmissível que o artista fixasse sua pesquisa em uma imagem figurativa, no caso, a forma humana. Entretanto, a figura humana era o grande tema de interesse de Giacometti.

Ainda integrante do movimento surrealista, Giacometti faz a obra "Bola Suspensa" em 1931, e este se torna um de seus trabalhos mais importantes.

Bola Suspensa, 1931

A bola não toca a base e não há nada de "sólido" como era comum nas esculturas tradicionais. Nesta obra, Giacometti também cria o espaço no qual a obra acontece. Por vezes, ela pode levar à uma leitura erótica pelo quase encontro entre as partes.

Com a morte de seu pai, em 1934, Giacometti faz um busto em sua homenagem. Neste momento, briga com André Breton novamente e retorna ao seu tema de interesse, a figura humana.

Em seus estudos, Giacometti começa a considerar e a introduzir dois novos aspectos em seus trabalhos: a distância em que ele se encontra em relação aos seus modelos e a passagem do tempo. Em relação ao espaço, Giacometti "levou ao limite a crise da escultura, como figura ou estátua, demonstrando a negatividade entre forma plástica e espaço" (Giulio Carlo Argan). Em relação ao tempo, Giacometti não buscaria uma expressão, uma psicologia dos modelos, mas algo mais eterno que, justamente, não sofresse a ação do tempo.

A partir destes novos olhares, Giacometti muda as dimensões em suas esculturas. Para o artista, o tamanho não tem a ver com a monumentalidade ou imponência de uma obra. Faz esculturas mínimas, chegando a 4,5 cm de altura.

Na pintura, é recorrente que o artista delimite o espaço no qual a imagem vai acontecer. Os olhos aparecem sempre rabiscados pois seria por eles que a verdade aconteceria. No entanto, eles nunca estão bons o suficiente para demonstrá-la.

Na obra "A Floresta" (1950) a própria  base é o espaço da escultura, é o que a separa do mundo. Giacometti diz serem as mulheres como árvores. Logo, faz uma paisagem e lhe dá o nome de floresta.

A floresta, 1950  

       

Já na obra "Quatro Mulheres" (1950) o artista busca representar o instante.

Quatro Mulheres, 1950

Algumas experiências de morte vividas pelo próprio artista também transparecem em sua obra. Observa-se bocas abertas, grandes narizes, entre outros aspectos. Há uma aflição, uma angústia pessoal que perpassa em sua poética.

A partir de 1960 começa a retratar bustos "universais", ou seja, sem terem nenhuma relação com o modelo.

Giacometti debastava suas obras de forma interminável e são estes debastes que geraram as ranhuras estéticas de suas esculturas. "Nas esculturas Giacometti vê apenas a possibilidade de uma única relação entre a forma e o espaço, a antítese: o espaço foge ao infinito, a figura se contrai, reduz-se a pouco mais que um fio, desapareceria se não a detivesse no limiar do nada um último e precário resíduo da matéria." (Giulio Carlo Argan)

Mulher em Pé, 1961

Veja também: Alberto Giacometti - Educativo