Ioiô no Varal

Construir brinquedos em aulas de artes é sempre uma boa opção. Além das crianças aprenderem a confeccionar algo lúdico, elas saem da aula brincando, o que é uma delícia.

Porém, gosto desta atividade pelo desafio que ela propõe.

Fizemos um ioiô. Uma bola de jornal amassado, envolta em fita crepe para manter sua forma e presa a um elástico. É simples e os pequenos adoram.

O verdadeiro desafio estava em pintá-los pendurados em um varal.

As crianças se animaram em pintar seus ioiôs de forma tão diferente. No entanto, suspensos no ar, qualquer toque do pincel os fazia balançar. Algumas crianças entenderam isso rapidamente e se empenharam em pintá-los de forma delicada. Para essas, o silêncio e a concentração imperaram durante a atividade.

Já outras crianças não conseguiram lidar com tal dificuldade. Iniciaram reclamando e passaram a segurar seus ioiôs, conferindo-lhes assim maior firmeza no pintar.

Independente da reação de cada um, o que vale nesta atividade é a experiência de uma nova forma de pintar, retirando as crianças da estabilidade de seus materiais e despertando-as à novas possibilidades de se fazer arte.

Jogos de Autorretrato - Categorias

Há algum tempo atrás escrevi sobre Jogos de Autorretratos. Nesta postagem falarei sobre as categorias se retratos e autorretratos trabalhadas no jogo.

A exposição Olhar e Ser Visto no MASP reorganizou as obras do acervo da instituição, oferecendo novas possibilidades de leituras.

Foram elaboradas cinco categorias de retratos e autorretratos relacionadas ao momento histórico em que as obras foram feitas.

Abaixo estão as categorias presentes na exposição.


O Retrato da Pompa
Os primeiros retratos ditos autônomos – que não são mais parte da arquitetura – surgem no século XIII e ganham impulso com a invenção da portátil tela de pano como suporte (o mais antigo exemplo de pintura sobre tela é uma Madona de 1410). Os retratos deste grupo são ditos “de aparato”. A imagem construída pelo artista deve ser impressionante: o retratado é mostrado como alguém especial, subtraído quase aos acidentes do efêmero. Daí serem, de certo modo, atemporais. Não fosse pelas roupas que ajudam a configurar e situar os que as envergam, os retratados quase estariam fora de um lugar e época determinados. São exemplares, neste sentido, os retratos assinados por Goya, Van Dyck ou Hals: os retratados estão sobre fundo neutro (ou genérico, como na tela de Gainsborough) e se deixam ver em poses hieráticas, afirmativas, quer apareçam de corpo inteiro ou de meio corpo. São retratos de pessoas e, também, símbolos de alguma outra coisa, sobretudo do poder. Os primeiros retratos foram os da realeza, do alto clero e da aristocracia, donde serem naturalmente “de aparato” (no Renascimento, surgem os retratos das pessoas mais comuns ou, em todo caso, dos burgueses). Como toda pintura de gênero, o que primeiro se retrata aqui é o próprio código a que a obra pertence – no caso, a própria pompa, a ideia de pompa; o retratado é meio para pintar-se a pompa em si mesma. O retratado existe porque a pompa existe.

O Recurso à Cena
Os retratos deste grupo apresentam seus modelos junto a alguém mais, ou a alguma outra coisa, fazendo alguma coisa, representando alguma coisa: compõem, com as outras pessoas ou coisas representadas, uma cena que lhes empresta ou sugere uma qualidade específica. De algum modo, todo retrato compõe uma cena, em particular os retratos de aparato; aqui, porém, a cena é mais explícita e ampla e a narrativa que propõe é mais extensa, senão mais complexa. Várias das obras desse grupo relacionam-se àquelas exibidas entre os retratos da pompa, enquanto outras, em número não menor, remetem-se ao grupo dos retratos modernos, de que poderiam fazer parte com igual propriedade. Em certos casos, como nas obras de Nattier, a cena representada chega a compor uma alegoria, mas ela sempre será quase um teatro. É de 1310 a recomendação de Pietro d’Abano de que o retrato deveria expressar a aparência e a psicologia, ou a alma, do retratado – algo mais viável nos retratos desse grupo e do próximo do que naqueles “de aparato”. Daí não se deve concluir, porém, que a semelhança sempre tenha sido tudo, no retrato: antes da modernidade proposta pelo século XIX, conforme o princípio da dissimulatio (dissimulação), o realismo deveria submeter-se aos interesses contextuais da representação, razão pela qual, sobretudo nos retratos de pompa ou aparato, os eventuais defeitos físicos dos modelos eram diminuídos ou ocultados. Na contemporaneidade, o corpo humano em seu realismo mais cru, em suas falhas e sua decadência, será mostrado sem disfarces.

Eu Mesmo
Atração narcisista pela própria imagem; tentativa de sair de si mesmo para, enfim, ver-se melhor, ver-se de outro modo; a simples comodidade de ser o modelo mais disponível; no início de sua história, esforço do artista para que o vissem como aqueles que ele próprio retratava, isto é, como um membro das classes altas, das profissões liberais (intelectuais) e não das manuais, que dependiam do esforço físico: tudo isso se encontra na origem e na história do autorretrato. Rembrandt, com a retratação insistente de si mesmo, não raro impiedosa, foi um equivalente dos poetas que repetidamente mergulham em si para vislumbrar ao menos um pouco da natureza humana. Já Pancetti buscava ver não tanto e não só aquilo que de pessoal existia em si mesmo, como também o que de mais coletivo nele ecoava. E Max Beckmann atribui a seu próprio retrato uma dimensão que ultrapassa a alegoria, para tocar na metafísica. Em todos os casos, o espelho de que se serve o artista, por mais polido que seja, revela-se opaco ou tem um grau de refração que o torna inútil – porque reflete tanto o retratado quanto quem o mira. A refração, como se sabe, modifica a velocidade da luz, matéria da pintura, e dá do objeto uma imagem ligeiramente fora de eixo, distorcendo-o no ambiente, ao mesmo tempo em que o mostra muito tal qual é: na tela de Darcy Penteado, a refração parece ter atingido o auge.

Retratos Modernos
Aqui, à primeira vista, os retratos são das pessoas elas mesmas, mais do que de alguma coisa que esteja por trás delas, que representem e na qual se amparem. O que se representa são elas mesmas e não o eventual poder que tenham ou o objeto ou o ser que as definam. Mas, por maior que seja a verossimilhança, em muitas destas telas, ou todas, predomina uma sensação de estranheza: mesmo que se ofereçam nuamente ao olhar, por imóveis que estejam (e, talvez, por isso mesmo), tampouco aqui elas se revelam de todo, se expõem. Tanto quanto a pessoa, o que se vê é a persona, a máscara que os retratados usam para se deixarem ver (quando não para se verem). De certo modo, essa é uma qualidade da maioria dos retratos, senão de todos; no modo deste grupo, porém, esse tom é mais acentuado porque nenhum objeto de contexto ou símbolo sugerido vem em socorro do retratado – ou de quem o observa. As pessoas não são, porém, a única coisa que se retrata aqui. Cézanne pinta tanto sua mulher quanto a arte pré-renascentista e a nova arte (cada retrato seu, como vários de Picasso, é também um retrato da história da arte). E Van Gogh faz seu modelo, como o escolar, competir com o entorno (e praticamente perder para ele). Tanto quanto nos retratos de aparato, também nesses o fundo é quase sempre vago, neutro e indefinido. O sentido, no entanto, é diverso neste caso. Aqui, é como se o sentido da pessoa retratada fosse suficiente para encher o espaço definido pela tela, como se nada mais fosse preciso para apresentar e definir quem ela é. A semelhança entre o modelo e o representado fez o sucesso do retrato e também, no início, foi motivo de crítica, pelo menos entre os intelectuais. Vasari, iniciador da História da Arte como disciplina no século XVI, considerava o retrato um gênero menor, por ser uma reprodução direta da realidade (um ritrarre) e não a representação do real conforme um conceito orientador (o imitare), próprio da grande arte imaginativa. (Um escrito central de Leonardo da Vinci propôs que a arte é, sempre, uma coisa mental.)

Desconstrução
Com a arte moderna do final do século XIX, a figura – e, com ela, a identidade – vai-se desfazendo e substituindo por outra coisa. Picasso apresenta uma evidência exemplar desse modo, decompondo a cabeça do personagem numa multiplicidade de fragmentos cuja soma é maior que o todo. Flávio de Carvalho e Chemiakin adotam procedimentos diferentes, que convergem, no entanto, para o mesmo fim: o retratado desaparece em favor da retratação da própria arte, da estética do artista, para quem o retratado é apenas um pretexto, e nem de longe o mais importante. A representação do que está fora da arte chegou a seu fim.

Realizei este jogo com alunos do 3° Ano do Fundamental I e retirei a categoria Eu Mesmo, pois achei que seria um pouco complexo para as crianças diferenciarem esta categoria de qualquer outro autorretrato.

Veja também:
Jogos de Autorretrato
Catálogo Olhar e Ser Visto

Leonilson Gigante com Flores

Leonilson Gigante com Flores é o nome de um dos livros da coleção Arte à Primeira Vista, Ed Paulinas.

Direcionado ao público infanto juvenil, o livro pretende aproximar os leitores ao universo poético do artista brasileiro Leonilson (1957 - 1993).

A obra de Leonilson inclui pinturas, desenhos, bordados, algumas esculturas e instalações. Para a crítica de arte Lisette Lagnado, o artista foi movido pela necessidade de registrar sua subjetividade. Em 1989, apresentou peças feitas com botões, pedras semipreciosas e bordados, introduzindo um novo e fundamental procedimento em seu trabalho: a costura.

Palavra e o texto também aparecem na obra do artista desde o início e se integram às imagens, transformando-se nos próprios desenhos ou pinturas. Se caracterizam por ser escrita livre, escolhidas pela musicalidade dos versos ou das palavras.

 "A obra do artista José Leonilson é repleta de índices taxonômicos: listas, números, coleções, símbolos, repetições. Seu legado constitui um grande arquivo, impregnado de memórias, classificações, vida e transposições. Esses arquivos de referências pessoais são compostos de materiais recolhidos do cotidiano, como tíquete de viagens, entradas de cinema, matérias de jornal e revista com informações pessoais, de amigos ou de sua obra, programações das exposições, fotos, contas, endereços, telefones, cartões, relatos de viagem, uma refinada escrita poética, esboços de trabalhos e demais particularidades.
A presença do caráter colecionista em sua personalidade e em seu trabalho se evidencia na coleção de brinquedos e no conjunto de signos recorrentes utilizados em toda a sua obra (ampulheta, símbolo do infinito, números, navio, escada, ponte, relógio, avião, farol, instrumentos musicais, átomo, vulcão, montanha, cadeira, bússola, torre, radar etc.). Delimitando todo esse trajeto, costurando todos os pontos, encontra-se a vida, o secreto, o particular, o romântico, que migrou de forma fluente e poética de seu cotidiano para sua produção artística.
Nesse processo de catalogação ou arquivamento do eu, o ‘’mundo’’ foi uma das metáforas mais utilizadas, assim como a geografia unida à topologia do corpo (mapas, globos, rios, caminhos, trajetos, artérias, vias, órgãos, cidades, desejos), que compõe uma espécie de cartografia do desejo. Dentro dessa investigação taxonômica do mundo, a palavra foi um dos agentes processuais mais legítimos e, por meio dela, foi composto um inventário regido pela identificação, observação e classificação." Bitu Cassundé e Ricardo Resende

O livro Leonilson Gigante com Flores, é constituído a partir desta integração entre texto e imagens.

Acompanhado do caderno-ateliê, o livro traz propostas de atividades a serem desenvolvidas pelas crianças.

Em 2010, realizei um trabalho com os alunos do 3° ano do Fundamental sobre o artista. Encontrei a riqueza na variedade de processos artísticos e conceitos que foram trabalhados como desenhos de observação, pinturas, relação entre imagens e palavras, costura, identidade.

Abaixo, alguns trabalhos feitos pelas crianças.

Mas foi inspirada nesta obra de Leonilson que criamos o trabalho mais bacana de todos. 

Ninguém, 1992   bordado sobre algodão

Depois de devidamente aproximados da obra do artista, propus às crianças que fizéssemos um travesseiro. Elas poderiam bordar seus nomes ou o desenho de observação que mais tivessem gostado. Neste momento, foi importante orientá-los a escolherem um desenho simples pois bordar era o verdadeiro desafio.

Primeiro eles bordaram o desenho. Depois, uniram três laterais do travesseiro, juntado a parte da frente com a parte de trás. Formou-se assim um "saquinho" no qual preenchemos com manta acrílica. Por fim, fechamos o travesseiro. E eles ficaram assim:

Ao dar relevo ao bordado, criou-se um objeto de arte. Diferente e contemporâneo.

Para saber muito mais....

sites

http://www.projetoleonilson.com.br/

http://itaucultural.org.br/leonilson/

livros

Leonilson: Use, é lindo, eu garanto. Leonilson. Ed CosacNaify

Leonilson: São tantas verdades. Lisette Lagnado. Ed DBA

Outros livros da coleção Arte à Primeira Vista no Blog
http://arteemprocessos.blogspot.com.br/2012/11/lygia-clark-linhas-vivas.html

O Livro Maluco dos Monstros

Gosto muito de fazer este livro nas primeiras aulas do semestre por ser uma atividade leve e lúdica.

O Livro Maluco dos Monstros serve como estímulo ao desenho criativo e se torna um material interessante para ser aproveitado pelo resto do semestre. Tendo-o na sala de aula, as crianças gostam de apreciá-lo nos momentos livres.

Inicio esta atividade com o mito da Caixa de Pandora. Além da história ser maravilhosa e prender a atenção das crianças, ela fala sobre o surgimento dos monstros. Contar uma história é um bom caminho para sensibilizar as crianças ao tema que se deseja trabalhar.

Depois da história, mostro também algumas ilustrações de monstros e enfim, explico como funciona o Livro Maluco.

Primeiramente o educador precisa preparar as folhas.

Em uma folha de sulfite A4 ou em  tiras de sulfite A3 cortadas ao meio no sentido horizontal, deixa-se espaço para a margem na lateral, faz-se duas linhas dividindo a folha em 3 partes e, em cada linha, dois pontinhos. Os pontinhos da linha  de cima são as guias para desenhar o pescoço do monstro e, os pontinhos da linha debaixo, as guias para desenhar o quadril ou pernas do monstro.

É importante fazer um desenho utilizando essas marcações na frente das crianças, para que elas possam entender com mais facilidade.

Entrega-se uma folha com as marcações para cada criança e inicie a atividade. Nestes desenhos foram utilizados somente canetinhas hidrocor.

Após terminado o desenho, corta-se o papel nas duas linhas de referência. Quando juntam-se todos os desenhos, temos o Livro Maluco dos Monstros, no qual as crianças podem criar outros inúmeros monstros mudando suas cabeças, barrigas ou pernas.

O Livro Maluco dos Monstros torna-se um livro interativo e todo feito pelas crianças.

Preto no Branco, Branco no Preto

É comum que relacionemos crianças à coisas coloridas. Em qualquer atividade direcionada à elas, estimula-se o colorido. E é fato, cores e crianças tem tudo a ver!

Elas gostam do verde, do azul, do vermelho, do amarelo, do rosa... Mas, em algum momento, é interessante também que elas possam se aproximar do preto e do branco.

Para desviar um pouco do habitual colorido, elaborei esta atividade para as crianças de 2 e 3 anos. Minha proposta era que elas fossem expostas ao preto e ao branco, explorando-os, sentindo-os em seus contrastes e misturando-os, descobrindo assim o cinza.

Entreguei para cada uma um papel metade branco metade preto, unindo as folhas com durex na parte de trás.

Ofereci tinta preta e branca e cotonetes para desenhar.
Não disse nada além das cores à serem trabalhadas na aula.

No início, algumas crianças só colocavam a tinta branca no papel branco e tinta preta no papel preto. Obtinham assim um desenho bastante organizado em suas cores! Aos poucos, fui propondo que elas usassem  as duas cores nos dois papeis. E então, outras imagens foram aparecendo.

Outras crianças já se aventuravam pelo papel inteiro.

E outras ainda, mais minuciosas, descobriram as diversas tonalidades do cinza.

Enfim, este é um trabalho simples sobre cores, cheio de experiência e informação.

A Paisagem da Janela

Estimular o desenho em seus diversos formatos é fundamental nas aulas de artes visuais. Nesta atividade procurei trabalhá-lo de forma simples, porém lúdica.

Cortei uma folha de papel sulfite A4 ao meio no sentido horizontal. Dobrei as extremidades da tira de papel levando-as ao meio, formando uma janelinha.

Neste formato, pequeno e lúdico pelo fato de abrir e fechar, instiguei meus alunos de 6 anos a desenharem uma paisagem.

Poderia ser a paisagem da janela de suas casas ou quartos, ou uma paisagem da cidade, que viam ao vir ou voltar da escola. Pelo pequeno tamanho do papel, os estimulei a pensar sobre os detalhes presentes nesta paisagem que nem sempre aparecem nos desenhos, como fios elétricos, postes, lixeiras, faixa de pedestres, bicicletas, varandas, portões, semáforos, entre outros.

Depois desta pequena conversa cheia de memórias, entreguei lápis 6b e lápis de cor.

É interessante observar como as crianças lidaram com todos os elementos na organização do desenho. 

Nesta atividade buscou-se também ampliar o repertório gráfico de cada criança, que poderá vir a enriquecer desenhos posteriores.



As crianças se dedicaram a desenhar a paisagem com seus detalhes e também em decorar a janelinha por fora.

O resultado é um trabalhinho charmoso e com bons desenhos para serem olhados.